Dramaturgische Kernfrage

Dramaturgisches Schaffen sollte von Anfang an bis zum Schluss ein Teil des Inszenierungsprozesses sein und nicht nur am Ende, kurz vor der Aufführung (in irgendeiner Form), beachtet werden. Eine Chronologie i.S. von erst Material entwickeln und dann nach einer Dramaturgie suchen, widerspricht unserem Verständnis von der Arbeit eines Coaches bzw. einer Spielleiterin, eines Spielleiters.

Die Haltung zur Dramaturgie sollte neben ihrer durchgängigen Funktion im Inszenierungsprozess stets die dramaturgische Kernfrage implizieren: Dieser dramaturgische Weg passt aus diesen Gründen zu dieser Spielgruppe mit dieser Spielleiterin, dieses Spielleiters zu dieser Zeit an diesem Ort.

Die Haltung des Spielleiters, der Spielleiterin muss stets eine reflektierende sein. So impliziert die Tätigkeit der Dramaturgie ebenfalls ästhetische Wertungskriterien (z.B. bei der Auswahl eines Kompositionsprinzips). Werden die Spieler*innen partizipativ eingebunden, d.h. können sie gleichberechtigt am Szenen-Feedback teilhaben, führen reflektierte Werturteile zur Förderung der ästhetischen Urteilskraft. Zudem ist es notwendig, dass der dramaturgischen Arbeit die bewusste Setzung der Darstellungsintention vorausgeht. Die Spielleitung sollte, u.U. unter partizipativer Teilhabe der Spieler*innen, bei der dramaturgisch-inszenatorischen Umsetzung darüber reflektieren, welche Darstellungsintention vorrangig verfolgt wird:

1. Inhaltlich-thematisch orientierte Mitteilungsintentionen,
2. Ästhetisch-formale Gestaltungsintentionen,
3. Zielgruppenbezogene pädagogische oder politische Wirkungsintentionen,
4. Publikumsbezogene Unterhaltungs- und Belustigungsintentionen.

Ein dramaturgischer Leitfaden kann kein „Handwerkskoffer“ für den Theaterunterricht, die Theaterprobe sein. Folglich darf er nicht starr befolgt werden, da so die Einmaligkeit des künstlerischen Prozesses ignoriert wird und es zu keinen Resonanzerfahrungen kommen kann. Das Unbeschreibbare kann nicht beschreibbar gemacht werden; denn nimmt man die dramaturgische Kernfrage ernst, muss jede Dramaturgie – selbst mit demselben Ensemble, derselben Spielgruppe – zu einem anderen Zeitpunkt anders verlaufen. Auch ein anderer Ort würde zu einem gänzlich anderen Ergebnis gelangen.

Eine starre Poetik oder eine Formvorgabe missachten den ästhetisch-künstlerischen, sozialen und politischen einmaligen Moment einer Inszenierung und ihres Inszenierungsprozesses.

Somit soll dieser Leitfaden nur Impulse setzen, Tipps geben, Ideen liefern, Bewährtes aufzeigen oder aber als Reibungsfläche dienen.

Eine Begriffsanalyse zeigt (Link zum „Raum der Forschung"), dass die alte Frage nach der Chronologie von Form und Inhalt nur als dialektische Bewegung beantwortet werden kann: Die Antithese (Inhalt oder Form) hebt die These in sich auf (i.S.v. aufnehmen), und so entsteht etwas Neues, Drittes = die Synthese. Synthese kann hier die Dramaturgie sein. Wobei die dramaturgische Arbeit nicht nur das Was (den Inhalt) und das Wie (die Form), sondern auch das Wer, Wo, Wann und das Warum stets in seiner Gleichzeitigkeit berücksichtigen muss. Gelingt die Dramaturgie, entstehen auf der Probe Resonanzerfahrungen i.S.v. Helmut Rosas metaphysischer Zeitphilosophie. Das Subjekt (der*die Schauspieler*in und der*die Zuschauer*in) erfährt eine unmittelbare Resonanz zur Welt.

Trotz aller Fokussierung auf den einen roten dramaturgischen Faden sollte die Möglichkeit von nicht antizipierbaren, krisenhaften Momenten intendiert werden. Grenzerfahrungen der Projektteilnehmenden können konstruktiv gelöst werden. Dabei ist es auch möglich, im Laufe des Inszenierungsprozesses den Faden, die Kernfrage komplett in Frage zu stellen. (Vielleicht passte er doch nicht so richtig zur Gruppe, oder aber ein neuer Faden drängte sich geradezu auf.)